Портрети
Нарисувани портрети от 15-ти век - например от Писанело или Ян ван Ейк - може да се считат за завършени живописни творби в концентрацията им, изпълнението и разпределението на пространството. Ясното, деликатно очертано изображение следва всеки детайл на повърхността, стремейки се към реализъм. Предпочитаният профил е богат на детайли; наподобяващ облекчение, тя е близка до медальона. Следващ по отношение на чистия профил, три четвърт профил с по-пространствения си ефект излезе на преден план, за да остане в продължение на векове класическата портретна позиция.
Тесната връзка с живописта важи за практически всички портретни рисунки от 15 век. Дори толкова силна творба като рисунката на Дюрер на император Максимилиан произхожда като портретно изследване на картина. В същото време обаче някои от портретни рисунки на Дюрер ясно въплъщават последния етап на художествено начинание, амбивалентност, която може да бъде наблюдавана и при други портретисти от 16-ти век. Произведенията на Жан и Франсоа Клует във Франция и на по-младия Ханс Холбейн в Швейцария и още по-забележимо в Англия през същия век предоставиха автономия на портретно рисуване, особено когато рисунката беше завършена с тебешир от различни цветове. Изборът на по-меката среда, контурирането, което за цялата си точност е по-малко строго самостоятелно, а по-деликатният интериорен рисунък с равнинни елементи придава на тези рисунки по-жив, по-личен характер и подчертава още веднъж близостта им до рисуването.
В полихроматичната креда техника и пастел, портретната рисунка запазва независимостта си през 19 век. През 18-ти век Куентин де Ла Тур, Франсоа Бушер и Жан-Батист Шардин - всички тези художници от Франция - бяха сред основните му практикуващи и дори Ингрес, живял през 19-ти век, все още използва техниката си. В пастелната живопис портретът надвишаваше всички останали предмети.
При избора на поза, вид и изпълнение, портретната живопис, подобно на другите форми на изкуството, се влияе от общите стилистични особености на една епоха. По този начин, крайно изобразителното отношение на късния барок и рококо е последвано от по-строго схващане по време на неокласицизма, което предпочита монохромни техники и култивира, както и специалната форма на силуета, профилен контур, рисуван с зоната, запълнена в черно. Безспорно задлъжняли пред своите предшественици от 15-ти век, създателите на портретни рисунки от началото на 19-ти век целят още веднъж точното предаване на детайлите и пластичните ефекти, получени чрез най-внимателно подбраните графични медиуми: тънкият, твърд молив е бил техният любим инструмент, т.е. и сребърната точка също беше преоткрита от романтиците.
По-заинтересовани от психологическите аспекти на портрета, художниците от края на 19 и 20 век предпочитат по-меките пастели, които лесно следват всеки художествен порив. Изземването на характерни елементи и адекватното равнинно предаване тежеше по-силно от тях, отколкото реалистични детайли. Елементите на настроението, интелектуалното напрежение и личната ангажираност са типични черти на съвременния портрет, а следователно и на съвременната портретна рисунка, изкуство, което продължава да документира личното майсторство на художника извън характеристиките на различните техники.
Пейзажи
Още през 15 век пейзажните рисунки също са постигнали достатъчно самостоятелност, така че е трудно да се разграничи завършеното изследване на фона на определена картина и независим, самостоятелен скициран пейзаж. Вече в скечовете на Якопо Белини от 15 век (запазени в албуми в Британския музей и Лувъра) съществува интимна връзка между изследването на природата и изобразителната структура; в студиото на Тициан през 16 век пейзажните скици трябва да са показвани като предложения за живописни фонове.
Но именно Дюрер е разработил пейзажа като спомнян образ и автономно произведение на изкуството, накратко, като своя тема, без да се позовава на други произведения. Неговите акварели преди всичко, но също така и рисунките от двете му пътувания в Италия, за околностите на Нюрнберг и за пътуването до Холандия, представляват най-ранните чисти пейзажни рисунки. Векове трябваше да минат, преди подобни рисунки да се появят отново в тази абсолютна формулировка.
Пейзажните елементи също бяха много важни в немските и холандските рисунки и илюстрации от 16 век. Образното представяне, все още съществуващо в повечето случаи, формално е доста интегрирано в романтичния пейзаж на гората и поляната, особено в произведенията на Дунавската школа - Албрехт Алтдорфер и Волф Хубер, например. По-често, отколкото в други училища, тук се срещат внимателно изпълнени гледки към природата. В Холандия Питер Брейгел рисува топографски гледки, както и безплатни пейзажни композиции, и в двата случая като автономни произведения.
През 17-ти век изследването на природата и пейзажната рисунка, израснала от нея, достигат нов връх. Пейзажните рисунки на Accademia degli Incamminati (тези на Доменичино, например) съчетаваха класически и митологични теми с героични пейзажи. Французинът Клод Лорен, живеещ в Рим, често работеше под открито небе, създавайки пейзажни рисунки с досега непостигнато атмосферно качество. Този тип култивиран и идеализиран пейзаж, изобразен също от Пусен и други северняци, пребиваващи в Рим (наричани са холандски римлянисти с оглед на факта, че толкова много художници от Холандия са живели в Рим, а техните рисунки на Италия постигат почти ефирно качество), е в контраст с неероичната, близка до природата концепция за ландшафта, държана предимно от нидерландците при изобразяване на пейзажа на тяхната родна страна. Всички пейзажисти - техните пейзажни картини са специалност, силно представена в художествено специализираните Ниски страни - също създават независими пейзажни рисунки (Ян ван Гойен и Джейкъб ван Руасдейл и неговият чичо и братовчед, например), като Рембранд отново заема специално място: улавяйки характеристиките на регион често само с няколко удара, той ги подобри по такъв начин, че те придобиват монументална експресивна сила дори в най-малкия формат. През 18-ти век топографски верният пейзажен рисунък придобива значение с появата на Ведутистите, доставчиците на "гледки", образувайки група от тях (сред тях Джамбатиста Пиранеси и Каналета [Джовани Антонио Канал]) и често работи с такива оптични помощни средства, като гратикуларна рамка и обскура на камерата. Пейзажните рисунки с по-голяма художествена свобода, както и въображаемите пейзажи са направени най-успешно от някои френски художници, сред които Хуберт Робърт; изобразително и атмосферно тези теми достигат втори разцвет в рисуваните с четки пейзажи на такива английски художници като Търнър и Александър Козенс, чието влияние се простира и през 20 век.
Като се има предвид техният силен интерес към очертаването, чертожниците от 18-ти век на неокласицизма и още повече на романтизма наблюдават природата с топографска точност. Като ново „откритие“ романтично и героично преувеличеният алпийски свят сега зае своето място в съзнанието на художника заедно с аркадския изглед на италианския пейзаж.
Пейзажните рисунки и още повече, акварелите, образуват неизчерпаема тема през 19 век. Френският художник Жан-Батист-Камил Коро и към края на века Сезан и Ван Гог бяха сред главните създатели на пейзажни рисунки. Пейзажите са част от работата на много чертожници на 20-ти век, но през по-голямата част от века жанрът като такъв заема второ място пред общите проблеми на формата, в които темата се третира само като отправна точка. Въпреки това през последните 30 години на 20 век голям брой американски художници се завръщат в представителството, като по този начин реинвестират в пейзажа като тема.
Фигурни композиции и натюрморти
В сравнение с основните теми на автономното рисуване - портрет и пейзаж - всички останали имат по-малко значение. Фигуралните композиции зависят много от картината на тяхното време и често са пряко свързани с нея. Със сигурност имало художници, които се занимавали с рисунките си с темите на монументалната живопис, като гравьор от 17-ти век и ечър Реймънд де Ла Фаге; като цяло обаче художествената цел на композицията на фигурите е картината, като рисунката представлява, но полезно помагало и пътна станция. Жанровите сцени, особено популярни в Ниските страни от 17-ти век (както правят Адриан Брауър, Адриан ван Остаде и Ян Стив, например) и във Франция и Англия от 18-ти век, придобиха известна независимост. През 19 век също имаше рисунки, които разказваха истории от ежедневието; често илюстративни по своя характер, те могат да бъдат наречени „малки картини“, не само поради често многоцветния формат, но и в артистичното им изпълнение.
Натюрмортите също могат да претендират за автономни рисунки, особено за изобразяването на цветя, като тези на холандския художник Ян ван Хуйсум, които са популярни още от 17 век. И тук отново е вярно, че добре проектирана аранжировка превръща непосредствено изследване на природата в изобразителна композиция. В някои от тези композиции приликата с рисуването е много силна; пастелите на художника от 19 и 20 век например Одилон Редон или произведението на германския експресионист от 20 век Емил Нолде със своята хроматична интензивност преодоляват изцяло разделителната линия между рисуването и рисуването. В натюрмортите, както в пейзажите, автономните принципи на формата са по-важни за съвременните художници, отколкото фактическото изложение.
Фантастични и непредставителни рисунки
Рисунките с въображаеми и фантастични теми са по-независими от външната реалност. Съкровищата, метаморфозите и преплитането на отделни нива и региони на реалността са традиционни теми. Фантасмагоричните произведения от края на XV век на Йероним Бос са ранен пример. Има алегорични селски сцени на фламандския художник от 16 век Питер Брейгел и карнавалните офорти на френския художник Жак Кало от 17 век. Други, чиито произведения илюстрират какво може да се направи с рисуване извън пейзаж и портрети, са: италианският гравьор от 18 век Гимбаттиста Пиранеси, англо-швейцарският художник от 18 век Хенри Фусели, английският илюстратор от 19 век Валтер Крейн, френският от 19 век Художникът-символист Густав Моро и сюрреалистите от 20-ти век.
Нерепрезентативното изкуство, с редуцирането на основните елементи на рисунката - точка, линия, равнина - до чиста форма, предложи нови предизвикателства. Чрез отказ от асоциативни телесни и пространствени отношения разгръщането на размерите на рисунката и структурата на различните медии придобиват ново значение. Графичните качества на линията в равнината, както и на немаркираната зона, вече бяха подчертани в по-ранни времена - например в гротешките на Джузепе Арчимболдо през 16 век (фантастичните или фантастични изображения на човешки и животински форми, често съчетани с взаимно и преплетени с изображения на зеленина, цветя, плодове или други подобни) и в калиграфски упражнения като морески (силно стилизиран линеен орнамент, базиран на листа и цветчета) - но най-вече като печат или гравиране на модели за най-различни декоративни задачи (вътрешна украса, мебели, прибори, бижута, оръжия и други подобни).
